🔥 отключить всю рекламу на сайте
💬 участвовать в дискуссиях и
💰 зарабатывать на отзывах
История моды XX века
Икона стиля 1960-х годов — британская супермодель Твигги
После длительного перерыва продолжаю серию постов об истории моды и возвращаюсь к 60-м годам ХХ века.
Ссылки на предыдущие посты серии:
1920-е гг.: часть 1, часть 2
1930-е гг.: часть 1, часть 2
1940-е гг.: часть 1, часть 2
1950-е гг.: часть 1, часть 2, часть 3
1960-е гг.: часть 1
Костюм и аксессуары
В 1950-е гг. начинает формироваться новый феномен — молодёжная мода, которая станет основной платформой для развития трендов последующих десятилетий. Исследование, проведенное в 1957 году, показало, что процент потребителей-тинэйджеров значительно вырос по обе стороны Атлантики. Поколение «бэби бумерс», отличавшиеся от своих предшественников наличием собственных денежных средств и, как следствие, большей финансовой независимостью от родителей, постепенно превращалось в мощную движущую силу на рынке, способную диктовать свои законы. Этот факт привёл к тому, что уже в 1967 году в западных странах 60% модной одежды приобреталось молодежью в возрасте 17-20 лет.
Однако в начале 1960-х гг. ситуация была диаметрально противоположной. Официальная мода почти не реагировала на рождение молодежной культуры. Попытку Ив Сен-Лорана перенести на подиум высокой моды образы молодежной культуры, воплощенные в коллекции 1959-1960 гг. «Битник» (прим.: подробнее в посте об истории моды 1950-х гг.), осудили и коллеги, и клиенты Дома «Диор», главой которого после смерти основателя был назначен молодой кутюрье. Парижская высокая мода еще не была готова к столь радикальным переменам в отличие от «свингующего Лондона» (этот эпитет британская столица получила с лёгкой руки журнала «Times» в 1966 г.), дизайнеры которого на тот момент уже переориентировались на молодежь. Неудивительно, что в первой половине 1960-х гг. столица мировой моды переместилась в Великобританию. Именно там можно было найти самую «модную» улицу мира того времени — Карнеби-стрит, а также знаменитый район Кингз-Роуд, где располагались альтернативные бутики для молодежи.
С одного из таких бутиков и началась карьера знаменитой создательницы мини-моды Мэри Квант.
Мэри Квант вошла в историю моды как создательница самого скандального направления шестого десятилетия — мини-моды. Нельзя сказать, что идея была целиком и полностью её детищем. В конце 1950-х гг. революционную длину юбки уже носили молодые девушки на Кингз-Роуд. Однако заслуга Квант была, в первую очередь, в том, что она первой перенесла этот тренд на подиум. Свой первый магазин «Bazaar» она на пару с приятелем Арчи Макнэром открыла в 1955 году. Квант разрабатывала простые и дешевые модели, стремясь к простоте конструкций, выразительности цветовых сочетаний и удобству одежды, в которой можно было бы активно двигаться. Первая коллекция с мини-юбками увидела свет в 1962 году. Новый стиль, названный «стиль Лондон», мгновенно стал популярен у молодежи всего мира. Это была подлинно молодежная мода, которая учитывала образ жизни нового поколения. Модельер выдвинула лозунг: «Хороший вкус — это смерть. Вульгарность — жизнь». Ее модели отрицали безукоризненную элегантность и традиции «хорошего вкуса», как и ханжескую мораль буржуазного мира. Мини-юбка была одеждой протеста молодых женщин, которые покидали родительские дома и селились в коммунах в поисках независимости и самоосуществления, а также знаменем сексуальной революции.
Мэри Квант со своими моделями
В 1962 г. Мэри Квант подписала контракт с американской торговой фирмой «J. С. Реnnеу» о создании молодежных моделей одежды и белья для продажи в США, а уже спустя год основала собственную компанию для оптовой продажи недорогой одежды по всему миру. В этом же году Квант, которая, как и Коко Шанель, была лучшей моделью для рекламы своих мини-платьев, была названа «женщиной года». В 1965 г. новая мода еще расценивалась как диковинка: манекенщицы Квант в ультра-мини даже невольно спровоцировали остановку уличного движения в центре Нью-Йорка. Однако уже в 1966 г. мини-юбка получила в Штатах официальный статус. Переломным моментом стал тот факт, что мини появилось в гардеробе первой американской леди Жаклин Кеннеди-Онассис, одной из икон стиля того времени.
Мэри создавала легкие в производстве и практичные в носке модели из синтетических тканей, которые не мялись и легко чистились, экспериментировала с новыми материалами и технологиями. В 1963 г. она показала туники из синтетической кожи, которые были не сшиты, а сварены по швам, в 1965 г. — синтетические цветные колготки. В 1967 г. Квант рекламировала туфли и сапоги из поливинилхлорида.
Первоначально мини-юбки имели политический и социальный подтекст — символизировали протест против буржуазной моды и раскрепощенность современной женщины. Однако после того, как мини-юбки распространились с быстротой лесного пожара по обе стороны океана, они стали восприниматься как просто как часть гардероба современной женщины.
В шестидесятые начался расцвет молодежных бутиков, отличавшихся от тех, которые были открыты еще в 1920-е гг. Бутики 1960-х — это магазины недорогой одежды и аксессуаров, которые от больших магазинов и универмагов отличались огромным разнообразием стилей. В них можно было купить почти все — от этнической до старой одежды в стиле ретро, от военной формы до самодельных украшений. В бутиках были доступные цены и индивидуальный подход к каждому клиенту. Кроме одежды там можно было приобрести последние пластинки, журналы или просто послушать музыку и выпить чашку кофе. Стилисты, которые тогда работали исключительно для молодежи, появились и в других странах — их называли «йе-йе-дизайнерами» (по припеву популярной песни «Битлз»). Во Франции это были Эммануэль Кан, Дороти Би (марка, основанная Эли и Жаклин Якобсон), в Италии — Элио Фьоруччи, в США — Бетси Джонсон. Готовая одежда стала более престижной, чем «от кутюр». Число клиентов домов высокой моды стремительно сокращалось. Чтобы спасти положение, почти все дома стали выпускать свои линии прет-а-порте. В результате в середине 1960-х гг. высокая мода сумела вернуть свое лидерство, предложив альтернативу эклектичному «стилю Лондон». Этим успехом Париж был обязан, в первую очередь, Андре Куррежу.
Шестидесятые годы ознаменовались началом «космической эры». В 1961 г. впервые совершил полет в космос советский космонавт Юрий Гагарин. Прорыв за пределы Земли был невозможен без развития новых технологий, использования новых материалов, которые в 1960-е гг. казались символом прогресса. Космическая тема стала популярной — снимались «космические» фильмы и телесериалы. Эту тему использовал и модельер Андре Курреж, предложив общественности «космический стиль».
Проработав более 10 лет ассистентом в Доме высокой моды «Баленсиага», Куреж в 1961 г. вместе со своей будущей женой Коклин Баррьер открыл дом высокой моды с интерьерами, похожими на научную лабораторию, и показал первую коллекцию с мини юбками. Однако он не запатентовал модели, они были скопированы, и Курреж оказался на грани финансового краха. От этих неприятностей он оправился только к 1964 г., когда представил коллекцию, которую назвал «Космическая эра».
Эта коллекция была встречена с огромным энтузиазмом и вызвала волну подражаний стилю Куррежа. Это была первая коллекция «от кутюр», адресованная молодым. Курреж подобрал соответствующих манекенщиц — спортивных юных узкобедрых моделей, которые двигались по подиуму иначе, чем это было принято в эпоху «нью лук». Новая пластика движений повлияла и на стиль фотографии моды 1960-х гг. — моделей снимали в движении, в необычных ракурсах, часто имитируя состояние невесомости. Это были совершенно новые образы, которые подкупали своей внутренней чистотой и лаконичностью. Курреж называл их «лунная девушка».
Андре Курреж со своими манекенщицами
В шестидесятые можно было говорить о возвращении моды 1920-х гг.: преклонение перед техникой, появление коротких стрижек и прямых платьев-рубашек с геометрическим декором. Курреж предложил ясные лаконичные формы. Вместо вытачек модельер использовал вертикальные конструктивные линии, которые были подчеркнуты рельефной строчкой, кантами или деталями контрастного цвета. Его модели сравнивали с чертежами, выполненными с помощью циркуля и линейки. Типичные модели в «стиле Куррежа» — это платья мини с силуэтом «трапеция» без акцентированной линии талии и двубортный жакет, который носили вместе с брюками. Во многом Курреж был новатором: он придумывал новые конструкции: к примеру, перевел плечевой шов на перед, а в брюках боковые швы перевел на стрелки. Кроме этого, модельер предпочитал использовать новые материалы — винил и синтетические ткани, которые хорошо держали форму и не мялись. Самыми любимыми цветами Куррежа были белый, который он часто сочетал с черным, серебристые цвета (ассоциировавшиеся с космическими скафандрами), оранжевый и все оттенки зеленого, желтого и розового. Андре Курреж придерживался традиционных представлений об ансамбле — к каждому платью, костюму или пальто предлагались головной убор, обувь, перчатки, очки. Уже в первой коллекции в «космическом стиле» Курреж ввел в моду белые полусапожки из винила на низком каблуке и головные уборы, напоминавшие шлемы скафандра. Позднее Курреж для создания завершенного образа предложил цветные парики — желтые, зеленые, оранжевые, золотистые и серебристые.
В конце 1960-х гг. под влиянием новых тенденций в моде, прежде всего под влиянием хиппи, А. Курреж несколько изменил свой «чистый» стиль. В его моделях появилось больше декора, например мини-платье, расшитое стилизованными цветами с зеркальными серединками, как в традиционной вышивке Индии.
В конце 60-х годов мода «космического стиля» и мини-юбок пошла на убыль. Закат мини-моды стал и закатом популярности Куррежа, который хоть и перестал заниматься созданием одежды лишь в 1985 г., больше не сумел повторить свой успех.
«Космический стиль» разрабатывали и другие кутюрье и стилисты 1960-х гг. — прежде всего те, кого причисляли к авангардистам в моде. «Звание» «авангардного дизайнера» сопровождало почти всю творческую жизнь Пако Рабанна, который создавал одежду из нетрадиционных материалов — металла и пластика. Пако Рабанн (Франсиско Рабанеда и Куерво а Пасахес де Сан Педро) родился в 1934 г. в Сан-Себастьяне (Испания).
Прежде чем приступить к созданию своих моделей, Рабанн рисовал эскизы аксессуаров и бижутерии для Домов моды «Баленсиага», «Живанши», «Карден» и «Диор». В 1965 г. он стал делать модные украшения из пластика, соединяя пластины металлическими кольцами (такие сережки уже в первый год были проданы в количестве 25 тыс. шт.). В 1965 г. Рабанн показал в отеле «Георг V» первые платья, сделанные из пластинок родоида, а на одном из следующих показов вывел на подиум чернокожих манекенщиц (закончилось это большим скандалом), в 1966 г. — создал коллекцию аксессуаров и бижутерии из пластика и открыл дом высокой моды. Модели Рабанна были символом «космического стиля» — во многих фильмах тех лет использовали его платья из металлических или пластиковых пластинок, а Сальвадор Дали выбрал платья из пластика для оформления своего Театра музея в Фигерасе.
Все модели Пако Рабанна создавались по технологии изготовления бижутерии — из фрагментов, которые соединялись между собой металлическими кольцами. Платья состояли из модулей — пластиковых или алюминиевых пластинок прямоугольной, квадратной или круглой формы. Поэтому для коллекций прет-а-порте Пако Рабанн создавал более практичные модели из традиционных материалов. В коллекциях «от кутюр» до 1999 г. он по-прежнему показывал костюмы, созданные из нетрадиционных материалов. Летом 1999 г. модельер заявил, что перестает создавать коллекции высокой моды, оставляя только линии прет-а-порте и парфюмерии.
Современные модели Пако Рабанна
Имидж «авангардного модельера» приобрел в 1960-е гг. и Пьер Карден, который представил свою версию «космического стиля». Однако его модели всегда были более приспособлены к требованиям потребителей, чем у Куррежа и Рабанна. Карден обладал способностью предугадывать вкусы клиентов и упрощал авангардные идеи, что и обеспечивало ему коммерческий успех. Так, Карден никогда не делал целиком одежду из пластика или металла, как Пако Рабанн, а предлагал платья с отдельными элементами из металла или пластика, которые выглядели не менее современно, но были гораздо удобнее.
Карден придумал «космический» сарафан — короткий сарафан из трикотажного полотна, синтетической ткани или кожи с огромными проймами. Его округлые вырезы, как и в моделях Куррежа, казалось, были вычерчены с помощью циркуля и отделаны декоративной строчкой. Этот сарафан можно было носить как вместе с водолазкой, связанной «лапшой», так и без нее, что делало его универсальной и практичной одеждой.
«Космический» сарафан Кардена
Другие популярные модели Кардена — костюмы с мини-юбками и подчеркнутыми конструктивными линиями свитера, брюки, кожаные куртки с молниями и комбинезоны. Геометрические линии кроя и геометрический, декор стали своеобразной «визитной карточкой» Кардена. Сочетание супер-мини юбки и длинных сапог также вошло в моду благодаря Кардену — именно в таком костюме снялась Бриджит Бардо в знаменитом клипе песни С. Гинзбура «Харлей Дэвидсон». Имя Кардена тогда ассоциировалось с современным стилем. В его платьях выступала молодая Мирей Матье. Большинство же новых творений модельера демонстрировала его любимая модель — японка Хирога (Хироко Мацумото).
Синтетика и всё искусственное в 1960-е годы возводились в в культ как символы современного образа жизни. По телевидению рекламировались замороженные обеды, химическая чистка, одноразовые вещи, мебель из пластика. Названия новых материалов воспринимались как экзотика: поливинилхлорид, пластик, ткани с люрексом, алюминиевая фольга, винил, кримплен, нейлон, дралон, дакрон, лайкра для эластичного белья, купальников и спортивной одежды, терилен для нижнего белья, акрилан, орлон, полиэстер. В 1966 — 1968 гг. американская фирма «Scott Рарег Соmраnу» выпускала бумажные платья с набивными рисунками, которые стоили 1 долл. 25 центов. За шесть месяцев было продано полмиллиона таких «одноразовых» платьев.
Бум «космического стиля» пришелся на 1965—1966 гг. Однако в своем чистом виде он существовал только на подиуме, страницах модных журналов и в кино. В реальной же жизни женщинам требовалась другая одежда — более консервативная, особенно с учётом того факта, что большинство клиенток домов высокой моды были, как и прежде, женщинами «элегантного возраста», которые не всегда могли себе позволить носить шорты и платья с открытым животом. Для них создавали модели Дома высокой моды «Диор», «Нина Риччи», «Пату», «Филипп Венэ», «Жан-Луи Шеррер» и другие. Они предлагали своим клиенткам «облагороженный» и элегантный вариант молодежной моды: более длинные юбки, традиционные костюмы (но ярких цветов и с подчеркнутыми конструктивными линиями), привычные шляпы вместо «космических» шлемов, классические «лодочки» на низком каблуке вместо виниловых сапог.
Если Курреж, Карден, Рабанн получили признание как авангардисты в моде, то Ив Сен-Лоран уже тогда был признан гением моды XX в. Директор французского «Vogue» М. де Брюнофф, познакомивший Сен-Лорана с Диором, признался, что за всю жизнь не встречал человека более одаренного в области моды и предсказывал ему великое будущее. И это предсказание сбылось очень скоро. Дом моды «Ив Сен-Лоран» стал ведущим домом «от кутюр» и символом французской моды.
В начале карьеры Сен-Лорана отождествляли с Диором, хотя в контексте «духовного наследия» он был скорее ближе к Шанель и Скьяпарелли. От других кутюрье 1960-х гг. Сен-Лорана отличало что, что он никогда не забывал совет Коко Шанель — помнить о том, что «внутри платья находится женщина». Как и Шанель, он стремился делать комфортную одежду, которая подходила бы всем: и двадцатилетним девушкам, и шестидесятилетним женщинам. Великому модельеру удалось объединить противоположные модные тенденции: артистизм и реализм, дух экспериментов и любовь к классике. Музой И. Сен-Лорана и верной клиенткой на протяжении многих лет была Катрин Денёв. Она говорила, что Сен-Лоран создает модели для женщин с двойной жизнью. Его одежда для дня помогает женщине выходить в мир незнакомцев, не привлекая нескромного внимания, а вечером, когда женщина хочет встретиться с теми, кого любит, он превращает ее в соблазнительницу.
Ив Сен-Лоран и Катрин Денев
Ив Сен-Лоран, как никто другой, понимал, что стиль домов высокой моды 1950-х гг. безнадёжно устарел. Современная жизнь с её постоянно нарастающим темпом требует более комфортной и практичной одежды. Для создания своего стиля модельер заимствовал элементы из мужского гардероба и уличной моды, превращая их в изысканную одежду. В 1963 г. Сен-Лоран представил «облагороженный» вариант морского бушлата и нормандской блузы, в коллекции «Лесной Робин» — черные куртки и полупальто из кожи и винила с длинными сапогами из крокодиловой кожи, шлемами «балаклава», в которых соединились мотивы средневекового костюма и стиль рокеров. Хотя в этой коллекции он во многом предвосхитил появление «космического стиля» Куррежа и Кардена, собственная коллекция Сен-Лорана 1964-го года успеха не имела. Однако уже в коллекции осень/зима 1965—1966 гг. модельер сумел взять реванш и предложил публике стиль, который нашел множество последователей. В этой коллекции были знаменитые модели «Мондриан» — простые платья без воротника и рукавов из трикотажного полотна, которые имели декор в виде крупных цветных клеток — «цитаты» из картин знаменитого художника-абстракциониста Пита Мондриана, который в 1960-е гг. вошел в моду.
Знаменитое платье «Мондриан»
В летней коллекции 1966 г. появились брючные костюмы, а в коллекции осень/зима 1966— 1967 гг. — знаменитые женские смокинги, ставшие любимой моделью и «визитной карточкой» И. Сен-Лорана на протяжении многих лет. Если Шанель преобразовала мужской смокинг в «маленькое черное платье»,, то Сен-Лоран предложил женщинам носить смокинг с брюками в качестве новой униформы. Позже он предложил вариант сочетания смокинга с юбкой, а в 1970 г. — знаменитое платье-смокинг. В своих последующих интервью он признавал женский смокинг своей лучшей моделью.
Начиная с 1966 года, И. Сен-Лоран создавал четыре коллекции женской одежды в год — «от кутюр» и прет-а-порте. Свою линию прет-а-порте он назвал «Рив Гош» (пер. — «Левый берег», потому что на левом берегу Сены находились многочисленные кафе, где родилась альтернативная культура).
В летней коллекции 1967 г. И. Сен-Лоран обратился к этническому источнику — в коротких платьях для коктейля под девизом «Бамбара» он использовал мотивы первобытных украшений. Платья были сплетены из волокон льна и раффии и ярких деревянных бусин, дополнены украшениями в африканском стиле и стилизованными африканскими прическами.
В летней коллекции 1968 г. он предложил стиль «сафари» — модели из хлопка по мотивам колониального костюма. В этой же коллекции были прозрачные блузы, смокинги и комбинезоны с шортами. В 1968 г. Коко Шанель назвала И. Сен-Лорана своим духовным преемником, впервые публично признав и высоко оценив его заслуги.
В 1969 г. Сен-Лоран поразил публику яркими блузами и юбками, имитирующими лоскутную технику, несомненно, навеянными образами хиппи, и прозрачными платьями, отделанными страусовыми перьями.
В летней коллекции 1969 г. появился первый брючный костюм мужского типа, который был символично назван «Лейтмотив». Эти костюмы станут таким же символом стиля Сен-Лорана, как и смокинг.
Если перенести взгляд с подиумов на улицы конца 1960-х гг., то первое, что бросалось в глаза, — это влияние движения хиппи и движения протеста против войны во Вьетнаме на массовую моду. В костюме хиппи подчеркивалось пребывание вне норм и правил официальной культуры — намеренная небрежность и неряшливость одежды, бесполость облика. Характерными акцентами образа хиппи были торба за плечами, длинные волосы и рваные джинсы. В поисках индивидуального стиля хиппи смешивали одежду разных времен и народов — джинсы американских рабочих с вышитыми афганскими жилетами из овчины, длинные юбки с оборками с трикотажными майками с надписями и рисунками. Особенно ценились самодельная одежда (с ручной вышивкой, аппликацией, ручным вязанием) и украшения, одежда из натуральных тканей и вещи с искусственно созданными эффектами поношенности.
В 1968— 1969 гг. впервые в моде одновременно было три длины — мини, макси и миди. Длина макси стала популярной благодаря ретро тенденциям, которые возникли под влиянием кино, — на моду оказали большое влияние фильмы «Доктор Живаго» (1965 г.) и «Бонни и Клайд» (1967 г.). Длинные пальто из «Доктора Живаго» носили с мини-юбками. Неопределенность с модной длиной, которая всегда была главным признаком сезонной моды, сделала еще более актуальными брюки — в 1969 г. в Париже был настоящий бум брючных костюмов. Впервые в моде было множество стилей — ретро, этнический, цыганский, элементы фольклорного и исторического костюма. От будущего модельеры обратились к прошлому. Впервые отсутствовал единый модный образец, каким еще недавно был «космический стиль». Мода постепенно становилась более демократичной, позволяя каждому человеку проявлять свою индивидуальность, не навязывая готовых правил и рецептов. Многие считали, что это конец моды. Однако, как показало время, катастрофы не произошло: высокая мода пережила этот стихийный бум, но при этом изменилась, мало-помалу впитывая в себя новые идеи. Лишь Кристобаль Баленсиага (прим.: подробнее о нём можно прочитать в третьей части о моде 1950-х гг.), как самый последовательный представитель высокого искусства шитья, в ужасе отвратил свои взоры от современности. «Мода стала вульгарной», — говорил он о прет-а-порте и одежде из бутиков, а после закрыл свои салоны в Париже и Испании. Его самая элегантная клиентка, прекрасная Мона фон Бисмарк, три дня проплакала, лежа в постели. Она не знала, где ей теперь найти кутюрье, который помог бы ей поддерживать те высокие стандарты, к которым она привыкла.
Причёски
Новый стиль был невозможен без новых причесок. И хотя общее направление моды 60-х можно охарактеризовать как конструктивное и футурологическое, прически того времени были одними из самых трудоёмких и сложных в исполнении. В моду одновременно вошли стрижки геометрических форм, локоны и, пожалуй, визитная карточка 1960-х — начёс.
Начёсы ввел моду в Париже Жак Дессанж. Именно он в 60-е годы создает знаменитую «бабетту» – форму прически, носящую имя ее первой обладательницы Бриджит Бардо, или, как ее называли, ББ. Тугой локон, придуманный Дессанжем, выразил дух времени, придал совершенство и законченность стилю тех лет.
Тем временем Лондоне парикмахер Видал Сассун предложил «геометрические» стрижки, которые выглядели стильно в любой ситуации и при любой погоде. Для ухода за новой прической требовалось только раз в месяц посещать парикмахера и регулярно мыть голову (не случайно шампунь, который выпустил Видал Сассун, называется «Мой и иди» — больше не требовались бигуди и лаки для волос).
В 1963 г. такую стрижку впервые продемонстрировала модель Нэнси Квант, но по-настоящему модной она стала благодаря Мэри Квант, подруге Сассуна.
Сделав себе безупречную стрижку, «королева мини-юбок» Мэри Квант вызвала в начале 60-х годов такую мощную волну подражания. Взяв за образец грибообразную стрижку «Битлз», Видал Сассун придал ей ассиметричность и модную остроту: начиная с середины головы, волосы узко и заостренно спускались к пяти точкам. Благодаря этому они облегали голову идеально, словно футуристический шлем. При такой прическе, подчеркивающей круглую, объемную форму головы, шея и тело казались еще более нежными и хрупкими.
В 1960-е г. геометрические стрижки стабильно занимали призовые места на конкурсах парикмахерского искусства, однако вплоть до 1970-х в повседневной жизни женщины отдают предпочтение начёсам.
Макияж
Плотный слой макияжа уходит в прошлое, уступая место естественности. Новатор моды Мэри Квант решительно подводит черту, заявляя что «старому стилю в макияже пришёл конец!», одновременно подчеркивая, что косметика сейчас важнее, чем когда бы то ни было. На первое место выходит идеальный цвет лица. Как ни странно, но многим тенденциям макияжа 1950-ых годов всё же удалось выжить в этом десятилетии: нежная розовая палитра оттенков губной помады, румян и очень много пудры. Количество наносимой пудры уменьшается только ближе к 1970-ым, когда на первый план выходит прозрачная её разновидность. Такая пудра лучше пропускала цвет, что придавало лицу особенное сияние. Это косметическое средство можно считать предшественником современных хайлайтеров.
Яркая помада сдает свои позиции, уступая место блеску для губ. Это было своеобразной отсылкой к модным тенденциям 1920-х годов, когда максимально бледный цвет губ служил контрастом для ярко накрашенных глаз.
Мода позволяла женщинам накладывать на глаза так много краски, что в итоге это выглядело по-детски наивно: как будто макияж делала маленькая девочка, не умеющая соблюдать меру. Для усиления эффекта на нижнее веко иногда наклеивались более длинные ресницы. Стремясь сделать свой взгляд более выразительным, большинство модниц прибегало к накладным ресницам. Благодаря этому, в 1960-ых был настоящий бум этого аксессуара.
Огромную популярность приобретает подводка для глаз. Она обильно наносится как на верхнее, так и на нижнее веко.
Среди главных оттенков теней для век доминируют серый, синий и белый. Для дневного макияжа использовали палитру светлых тонов, а вот вечерний требовал насыщенных синего и зеленого цветов. Брови практически не подвергались корректировкам: достаточно было того, что они просто выглядели ухоженными. Эта тенденция сохранялась вплоть до конца XX столетия.
Благодарю за внимание!
Список использованной литературы:
История домов моды / Ермилова Д.Ю.
История костюма 1200-2000 / Джоан Нанн
Мода: век модельеров / Ш. Зелинг
Мода: всемирная история / Марни Фогг
Мода и модельеры / М.Шинкарук, Т.Евсеева, О.Леспяк
